Le blog de Bertrand Ferrier

Le dernier volet de notre fenêtre sur la clarinette alla francese selon Luigi Magistrelli s’ouvre, en réalité, sur deux compositions suisses puisque signées René Gerber, que nous avons eu souventes fois l’occasion d’évoquer sur ce support ainsi que dans un ample article sur la catalogue du musicien intitulé « 233 nuances de René Gerber (ou presque) » in : Jean-Jacques Perrenoud (dir.), René Gerber, compositeur, homme de l’art (Château & Attinger, 2020). Même si ce n’est pas très French, c’est un joli cousinage qui a du sens pour un label où l’essentiel de l’œuvre de René Gerber a été discographiée.
Il s’agit de deux compositions pour clarinette seule écrites en 1970. La première, la plus ambitieuse, s’intitule Six variations sur un thème romantique. Le thème, moderato, en do mineur, se fonde sur une structure ABA’ :

• descente diatonique (Ut – Si bémol – La bémol),
• volutes aspirant à l’aigu,
• retour de la formule liminaire enrichie de doubles croches et de rythme pointé.

Luigi Magistrelli en propose une lecture audacieuse, associant

• la solennité de A,
• l’élan presque précipité de B, et
• l’urgence quasi bancale de A’.

La première variation permet de profiter

• de la sonorité chaude des médiums,
• de l’attention au phrasé et
• du souci de nuancer

dont fait montre l’interprète. Dans la deuxième variation, majeure, alternant doubles – sextolets de doubles – doubles par quatre, on goûte

• les différents détachés proposés par Luigi Magistrelli,
• son désir d’incarner librement le texte via une juste agogique, et
• son art de faire rebondir les notes répétées.

La troisième variation, moderato molto, revient au mode mineur en enquillant des triolets que perturbent des changements de mesure (4/4, 3/4, 2/4, 4/4). S’y dégustent

• l’inclination de René Gerber pour la modulation éphémère,
• la précision des phrasés du clarinettiste et
• sa technique superlative qui lui permet de souffler des pianissimi impressionnants.

Retour au majeur pour la quatrième variation, un allegretto qui s’ouvre presque sur la citation de l’incipit du célèbre « Choral du veilleur » de Johann Sebastian Bach (le motif réapparaîtra vers la fin du segment). Le compositeur s’empresse de la fondre dans un style guilleret où se mêlent

• doubles pour lancer la dynamique,
• appogiatures pour impulser le groove,
• points d’orgue pour créer un suspense narratif inattendu et
• notes répétées pour que les oreilles de l’auditeur rebondissent avec la clarinette.

Si l’on reste encore surpris par le choix de Luigi Magistrelli de laisser fluctuer certains sons tenus (2’45), on embarque avec lui pour la cinquième variation, mineure, au goût de lamento.

• Le mode,
• l’usage du registre grave et
• le tempo moderato

contrastent malicieusement avec la variation primesautière qui l’a précédée.

• Ritendi,
• changement de mesure et
• respirations

respectent l’esprit à la fois grave et, un temps, cantabile, qui sourd de ce segment. Comme de juste, la dernière variation est une synthèse de ce qui précède, rendant compte des frictions entre les variations. Elle est à la fois en mode mineur, et « en mode brillant », comme diraient les djeunses s’ils écoutaient plus René qu’Aya.

• Les doubles croches,
• le large spectre de registres convoqués et
• le souffle de l’interprète qui lui permet de déployer les traits sans les saucissonner

gomment largement un montage toujours aussi rustique (patch à 4′) pour donner à savourer une musique

• simple (c’est pas une insulte),
• efficace (non plus) et
• astucieuse (en réalité, y a pas d’insulte, dans cette notule, donc restons enthousiastes et nonobstant paisibles).

En complément du programme suisse et en écho à l’autre œuvre de concours d’André Messager jouée un peu plus tôt, Luigi Magistrelli propose un « Morceau de lecture à vue » de René Gerber. Dans le cadre d’un disque studio, nous sommes résolument sceptique quant à l’intérêt d’inclure un tel exercice visant à jauger la capacité d’un candidat à se dépatouiller avec une partition au premier regard, mais supputons que c’est une manière de rendre hommage à René Gerber en estimant que, même contraint par un genre codifié, il continue de produire du René Gerber. L’allegro scherzando en Si bémol

• sautille,
• module et
• joue avec les grands écarts de notes, souvent délicats en première intention.

Luigi Magistrelli en propose une lecture propre et énergisante… qui nous pousse à préserver le suspense et à garder la recension du « Thème et variations » de Jean Françaix qui clôt le disque pour une prochaine notule. Ce n’était pas prévu, mais faut-il toujours tout prévoir dans la vie en général et les notules culturelles en particulier ? Vous avez quatre heures. Ou plus. Ou moins. Vous êtes libres, en fait. Au moins sur ce plan !

Pour écouter le disque gratuitement, c’est là.
Pour l’acheter moins gratuitement, c’est par exemple là, mais pas le même « là », bien sûr.

Pour un organiste, l’automne, c’est ça : ventilateur inutile, radiateur d’appoint (pas super efficace mais tellement réconfortant) pas encore utile. Les deux ustensiles échangent leurs expériences.
Comme murmurait Joseph Brodsky en évoquant août, pourtant, le monde est une

petite ville dont vous n’aurez jamais la vérité

(Joseph Brodsky, Comme un flambeau dans ces ténèbres noires. Anthologie poétique, 1961-1996, trad. de l’extrait André Markowicz, Gallimard, « Poésies », 2026, p. 428).
J’ose croire que c’est une bonne nouvelle, même si l’automne est arrivé bien vite.

Il y a de la contradiction dans la Mary Cassatt qu’expose le musée d’Orsay pour saluer les cent ans de sa mort et l’acquisition toute récente d’un pastel de l’artiste.

• Elle est d’abord présentée comme une immigrée devenue Française à part entière car la dame a longtemps vécu en France, mais elle se revendiquait comme « nettement et franchement américaine ».
• Elle est ensuite présentée comme une femme qui a gagné son indépendance, mais cette indépendance s’appuie sur sa dépendance à la richesse liminaire de sa famille et à l’hénaurme richesse d’une copine des Amériques qui l’a rendue très importante dans le milieu de l’art car elle pouvait susciter des achats par ses conseils.
• Elle est enfin présentée comme une personne du beau sexe qui a su mater le sexisme que les vivants déconstruits de notre époque voient en permanence opprimer les femmes, mais, à côté de son goût pour le flou et le mouvement, l’artiste cultivait un académisme guindé et un conformisme de bon aloi prescrivant aux femmes de peindre en priorité
  • des femmes,
  • des bébés (la peintre est même obligée de prétendre que lesdits nourrissons sont les enfants des dames représentées, lesquelles ne sont souvent que leurs nourrices) et
  • des scènes d’intérieur.

Peut-être est-ce l’un des intérêts de cette exposition très courue, visible au musée d’Orsay jusqu’au 31 janvier avant de partir vers des terres anglophones variées – Londres et Boston : non pas une artiste univoque, conforme aux nouveaux standards woke, mais une singularité qui, rêvant d’être du sérail, a ménagé la chèvre et le chou entre, d’un côté, formalisme et respect des codes, et, de l’autre, volonté sporadique de s’en extirper. Car la première caractéristique de la peinture de Mary Cassatt est qu’elle est d’une grande diversité, aussi bien en interne (dans un même tableau) qu’en externe (entre les tableaux). Le souci d’effet de réel, que

• la vivacité des traits,
• l’habileté de la polychromie et
• le souci du détail (l’art capillaire !)

habitent dialoguent avec un goût pour

• la suggestion,
• l’esquisse et, parfois même,
• l’abstraction rugueuse.

Le célèbre tableau choisi pour clôturer l’exposition en témoigne.  L’on peut tout aussi bien s’attarder sur

• le rendu des peaux,
• la science de l’expression (dans l’œuvre de Mary Cassatt, personne ne sourit),
• la vitalité du trait de pastel,
• l’évidence des volumes et
• la profusion des tissus…

… que sur

• la friction des accents,
• l’effacement des formes,
• le chaos des mouvements,
• le surgissement de spirales grossièrement jetées ou, par exemple,
• la recomposition du regard que nécessite un geste graphique
  • bouillonnant,
  • tourbillonnant voire çà et là
  • éruptif [on peut cliquer pour agrandir les photos].

Dès lors, l’intérêt de la visite, qui a peu de chance de se concentrer sur l’intérêt des sujets représentés, en général ou archétypaux ou niaiseux, se focalise sur la tension entre

• disruption et formalisme,
• rugissement du pastel ou lissé de la peinture,
• abandon d’une recherche de perfection et désir d’excellence presque plus technique qu’artistique.

En dépit du narratif encadrant l’exposition, pour le pas-expert pas-sachant pas-spécialiste, Mary Cassatt paraît moins indépendante qu’imprévisible, ce qui n’est pas une moindre qualité. Cette imprévisibilité s’appuie sur la deuxième caractéristique de la peinture de Mary Cassatt : la dame s’appuie sur une solide technique. Elle s’est formée auprès de maîtres qui savaient faire et qui, visiblement, savaient aussi transmettre leur savoir-faire. On n’ose plus guère à notre époque sortir un compliment digne de François Rollin commentant un tableau de Turner, mais il est nécessaire de reconnaître que la vedette d’Orsay savait très bien peindre. C’est aussi ce qui rend savoureux

• ses foucades,
• ses imprécisions,
• ses inachèvements,
• ses zigouigouis et
• ses traits de couleur inattendue qui rehaussent une dominante.

Copiste à la commande, elle sait

• s’imprégner d’une demande,
• sentir quel genre rapporte,
• humer l’air du temps dont elle peut faire profit, personnellement ou en refilant les bons plans (moyennant rétribution, c’est logique) outre Atlantique.

La nana se décrivait comme « patronne », on va pas jouer les sainte-nitouches non plus !

La troisième caractéristique de la peinture de Mary Cassatt est de savoir exister au milieu de ce maelström de problématiques :

• conformité au goût pour entrer dans les « salons indépendants »,
• réseautage pour exister parmi les artistes influents et auprès des décideurs de commandes majeures,
• spéculation sur les œuvres des collègues (on retrouve la thématique de la généreuse « collectionneuse » évoquée ici, la créatrice-collectionneuse remplaçant le collectionneur-créateur), et
• sensation profonde, que l’exposition traduit fort bien, qu’un geyser créatif existe en elle.

On peut regretter que l’exposition, conformément au dogme en vigueur dans l’art d’État, ait préféré blablater sur une nana autonome, alors qu’il aurait été plus

• captivant,
• stimulant et sans doute
• instructif,

de suggérer comment (à quel prix

• humain,
• artistique,
• moral et
• financier)

En effet, Mary Cassatt avait réussi à insérer

• les innombrables zigouigouis qui pimpent les tableaux,
• sa folle énergie et, par moments,
• d’autres aspects de sa personnalité
  • (cadrages donc débordements par exemple en calèche,
  • composition inouïe des couleurs,
  • délitement des formes qui n’empêchent en rien la paréidolie des regardeurs, par exemple)

en dépit d’une pression réelle sur la femme et l’étrangère qu’elle était, au-delà de la bien éduquée et de la riche qui connaît des riches qu’elle était aussi. Sous cet aspect, cette exposition intéressante présentée sur des thématiques lénifiantes mérite plus que la visite : le renversement d’un paradigme décourageant qui tend à réduire la tension artistique, essentielle, par le truchement d’un prisme anachronique. Révolte (et chanson officielle de l’artiste ici ou presque) !

Peu d’œuvres existent autant grâce à leur narratif que le Quatuor de la fin des temps d’Olivier Messiaen. On parle stalag, souffrance, déportation, foi, compositeur grattouillant son papier dans un coin, moins représentation devant des centaines de personnes – avec piano – d’une pièce de cinquante minutes, ce qui devrait secouer le storytelling et laisser plus de place à la musique.
Le troisième mouvement, « Abîme des oiseaux », est d’ailleurs une pièce ajoutée à la composition. Cela se peut deviner par sa singularité : il s’agit d’un solo de clarinette devenu un pilier du répertoire de l’instrument. Luigi Magistrelli attaque le mouvement « lent, expressif et triste » en extirpant son fa # du néant.

• Le souffle est long,
• la sonorité des médiums envoûtante,
• la lenteur hypnotique.

Si certaines attaques semblent hésitantes (le sol à 1’48, par exemple), elles ajoutent une certaine fragilité consonante avec l’atmosphère de l’œuvre. De même, si certains phrasés surprennent (attaque sur le do à 2’10 alors que la note fait partie d’une section de cinq notes marquées legato), ils signalent aussi une volonté de faire corps avec la partition, quitte à bousculer un peu le texte.

• Des decrescendi réussis,
• des triples piano somptueux et
• un break parfait pour laisser chanter l’oiseau « presque vif, gai, capricieux »

séduisent.

• Les contrastes d’atmosphère sont nets,
• le spectre des nuances est large,
• la caractérisation des différents segments (effets d’écho compris)

soutiennent l’attention. On se laisse même surprendre et amuser en entendant de vrais oiseaux chanter (5’05) alors que la forme en arche s’apprête à se refermer via le retour du premier motif. Ce segment est lugubre à souhait. Les changements de registre, de l’espérance portée par les aigus aux cris des défunts plongeant dans les graves, sont très évocateurs. Le rythme, si important dans cette écriture, est à la fois

• fluide et tumultueux,
• naturel et maîtrisé,
• libre et tenu.

Ces 8’40 sont donc savoureuses et étonnantes après deux pièces d’André Messager, soulignant l’originalité du programme et permettant d’oublier un montage pas toujours très discret (8’28, pour l’écho pianissimo et redoutable des sept croches parcourant la tessiture de la clarinette dans un aller-retour nécessitant une grande maîtrise de l’embouchure).

• L’originalité,
• la virtuosité et
• le souci d’interprétation du soliste

l’emportent largement sur ces scories techniques, donnant hâte d’écouter une dernière partie de disque mêlant René Gerber et Jean Françaix. À suivre !

Pour écouter le disque gratuitement, c’est là.
Pour l’acheter moins gratuitement, c’est par exemple là, mais pas le même « là », bien sûr.

C’est le deuxième trafic du monde juste derrière les stupéfiants. Le massacre d’animaux sauvages, auquel participent activement les zoos du monde entier, n’est pas une lubie d’écolos attardés : c’est un crime contre la biodiversité qui rapporte des milliards d’euros chaque année aux caïds du business. Un nouveau scandale, rendu public ces dernières 24 h, vient éclairer la violence et l’importance de ce marché, avec tous les ingrédients pour secouer le citoyen :

• des destructions d’espèces menacées d’extinction,
• des criminels protégés par des passeports diplomatiques et
• des sommes inestimables brassées depuis vingt ans (source ici).

Pour un peu moins que les milliards en jeu, hélas, j’ai eu la chance d’aider Jérôme Pensu à finaliser son livre sur le sujet. Ce parallélépipède feuillu est

• un ouvrage-choc,
• une enquête puissante,
• une révélation frôlant la déflagration d’une bombe, si si,

que devront encaisser tous ceux qui oseront se pencher dessus. Certes, pour la première fois dans ma carrière d’aide-à-l’écriture débutée il y a plus de quinze ans, l’aventure humaine a un peu fini en eau de caca boudin ; mais reste un bouquin passionnant fomenté par un type qui sait peut-être comme pas beaucoup voire personne de quoi il parle et qui nous révèle ce que nous ne voulons pas forcément savoir… jusqu’à ce que nous le sachions. Ensuite, nous n’avons qu’une envie : le faire savoir à notre tour.

En résumé, ce post est une autopromo, mais faut bien vivre, surtout si ça messied à certains parmi lesquels les trafiquants d’animaux sauvages. Le livre est commandable chez votre libraire préféré ou, par exemple, chez Amazon, le grand méchant parfois quand même bien pratique – dans ce cas, c’est ici.

C’est à une étrange exploration que nous invite le compositeur et pianiste Denis Levaillant avec son récital mélangeant des « préludes non mesurés » de Louis Couperin, composés il y a peu ou prou quatre siècles.

• Étrange parce que rare – les récitals Louis Couperin ne sont pas les concerts savants les plus fréquents ;
• étrange parce que dévolue au piano, quand Louis Couperin est plus souvent kidnappé par les clavecinistes et les organistes alors que Rameau s’est échappé de la tutelle des premiers grâce au carton d’Alexandre Tharaud ;
• étrange parce que personnelle, l’interprète revendiquant d’avoir mix’n’matché des feuilles du recueil selon son « bon goût ».

Rien de saugrenu, néanmoins, dans la démarche du musicien. L’affaire est sérieuse :

• le choix de l’édition est argumenté,
• l’exécution des ornements est réfléchie, et
• la distribution des tempi, libres, a été pensée.

Le voyage bien encadré s’ouvre in medias res puisque, sur le disque que nous écoutons, la première phrase inscrite sur la partition (l’arpège d’Ut) n’est pas présente – sans doute un problème propre à mon gramophone. Là encore, l’oreille est tout de suite saisie par l’étrangeté de cette musique. Étrange, en effet, cette semi-liberté de pantin désarticulé qui casse la régularité coutumière en alternant

• énoncé calme,
• suspensions résonantes et
• brusques jaillissements.

Étrange, cet effet de sustain (le pianiste revendique de n’avoir quasi pas utilisé la pédale qui permet de tenir les sons) lié à l’écriture du compositeur qui exige de longues tenues de basses – ici bien mises en valeur par le choix de l’instrument, le registre grave du Yamaha CFIIIS réglé par Guillaume Durambur offrant une assise intéressante aux volutes du médium et de l’aigu. Denis Levaillant joue pleinement sur

• la confusion,
• la perte de repères et
• l’incertitude propre à cette musique…

et propre aussi au concept même de prélude, sorte d’improvisation ouvrant, en l’espèce, sur un morceau qui n’arrivera pas. Étranges aussi ces dissonances qu’appréciaient les grands créateurs de l’époque (Johann Jakob Froberger, auquel Louis Couperin rend hommage dans un feuillet, était le spécialiste de ces grincements savoureux). Étrange, enfin, cette musique insaisissable, qui prend plaisir à s’échapper dès que l’on croit la saisir.

• La variété de touchers surprend ;
• la netteté des phrasés crée des certitudes qui, l’instant d’après, s’effondrent ;
• la fantaisie qui semble animer l’inspiration rechigne à être encagée derrière les barreaux du prévisible.

Il nous semble que l’on aurait davantage apprécié la découverte si la prise de son, signée Susie Lopez Uroz et Pierre Jacquot, avait respiré davantage, au sens où nous avons l’impression d’être collés dans la table du piano, dont les bruits de mécanique perturbent par moments l’écoute, conduisant parfois les techniciens à des choix assez disgracieux (fade out assez grossier du prélude 3, par exemple, alors que le raclement de gorge d’après le quatorzième prélude, à 2’37, aurait dû être gommé, même s’il traduit une volonté de privilégier le vivant au léché).
Ce nonobstant, l’on peut supputer que le choix artistique de proximité absolue, par sa radicalité, tend à précipiter l’auditeur dans le grand huit d’une partition qu’animent

• cahots,
• rebonds,
• attentes et
• cavalcade.

À mesure que s’écoulent les préludes, l’indécidabilité devient plus savoureuse que bousculante. Nous voici suspendus

• à la note à venir,
• à l’accident dont on sait qu’il va arriver mais pas du tout comment il va sonner,
• à l’idée qui va soudain prolonger le récit.

Les repères musicologiques, effacés, tentent de se reconstruire en inventant des similitudes avec une certaine musique minimaliste. Il est exact que le matériau brut est aussi étique que paradoxal :

• la partition est écrite,
• liaisons et ornements sont souvent précisés, et cependant
• l’interprète est libre de choisir
  • ses tempi,
  • ses rythmiques et, dans une large mesure,
  • ses articulations.

Il revient donc à celui qui joue cette musique

• non seulement de la jouer mais aussi de l’incarner,
• non seulement de l’énoncer mais de lui insuffler une vitalité simplement esquissée par le texte,
• non seulement d’égrener les notes mais de leur inventer
  • un sens,
  • une direction,
  • une raison d’être que le compositeur a laissés en pointillés.

L’on pourrait craindre un effet de lassitude (répétition du même type de morceaux) émoussant la curiosité liminaire. La réalité pourrait bien être inverse. D’abord parce qu’il faut à l’auditeur le temps d’apprivoiser ce langage. Ensuite parce que Denis Levaillant parvient à jouer chaque prélude avec

• la même fausse naïveté,
• la même impression de découverte,
• la même malice, en somme,

de sorte que l’intensité de la surprise ne s’émousse pas. Enfin, parce qu’il y a une forme de jubilation à être déçu en bien, la crainte d’avoir vite épuisé le plaisir de la découverte et de l’inattendu se dissipant grâce à

• l’énergie d’un trille,
• l’ouverture du narratif à un registre nouveau,
• la beauté d’une résonance que traverse soudain un trait staccato, etc.

Certes, les « Préludes non mesurés » sont de la musique qui ne s’entend pas : il faut l’écouter. Non que la chose soit

• complexe,
• hermétique ou
• cryptée,

mais bien qu’il s’agit d’une musique à suspense. N’y cherchons point

• de mélodie accrocheuse,
• d’harmonisations aguicheuses,
• de motifs proches de l’earworm ni même
• des passages encore plus pyrotechniques qu’ouvertement virtuoses.

Nous n’en trouverions guère. Pour tout dire, nous serions en peine de fredonner le morceau à peine l’avons-nous ouï, oui. En échange, le porte-voix de Louis Couperin nous propose une série

• d’histoires cabossées,
• d’esquisses au dévoilement progressif,
• d’images qui apparaissent pour aussitôt se dissoudre.

Les événements ne manquent pas :

• des notes répétées se font écho entre dextre et senestre,
• des montées s’interrompent,
• un commentaire ironique gronde dans les graves,
• un ornement développé tarde à révéler où il veut aboutir,
• une vaste envolée dégringole brusquement dans les abysses des petits marteaux,
• une apparente régularité s’interrompt et s’écroule sans crier gare, etc.

Au fil des préludes, manière de connivence se crée entre l’auditeur et le musicien, dont on apprend à avoir hâte qu’il nous conte une nouvelle histoire, en espérant qu’elle sera aussi haute en couleurs que la précédente. Par chance et non par hasard, le travail rigoureux de l’interprète lui a permis d’associer deux qualités qui pourraient paraître contradictoires : d’une part, la cohérence du son et du style d’un Louis Couperin au piano ; d’autre part, la préservation d’un esprit

• fantasque,
• ludique et
• inventif

nimbé dans un plaisir de narration musicale jamais pris en défaut au long de ces cinquante minutes. Aucun prélude n’écrase l’autre. Chacun propose un nouvel épisode d’une même saga, parfois tuilé et parfois singularisé selon l’enchaînement des tonalités décidé par Denis Levaillant, lequel souligne par l’exemple que la musique de Louis Couperin n’est pas une musique facile, écrite à la chaîne selon des schémas reproductibles à l’infini, mais un cadeau offert à l’interprète pour transformer

• une œuvre fermée en œuvre ouverte,
• un témoignage d’us musicaux passés en une musique très actuelle,
• un recueil inscrit dans sa lointaine époque en une aventure esthétique susceptible de secouer l’auditeur d’aujourd’hui.

Si vous cherchez

• un disque inattendu,
• une expérience d’écoute improbable,
• une découverte aussi exigeante que captivante,

vous avez trouvé les trois en un.

Pour écouter le disque gratuitement, c’est ici.
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Derrière un titre guère francophone, Luigi Magistrelli a choisi de feuilleter des répertoires franco-suisses (hommage au label helvétique choisi pour propulser son travail) des dix-neuvième et vingtième siècles. Parmi les curiosités de la set-list, deux opus fonctionnels d’André Messager commandés par le Conservatoire. Le premier est un solo de concours néanmoins joué en duo avec la pianiste Claudia Bracco. On connaît le genre : il faut défier les capacités techniques des candidats avec virtuosité et chausse-trappes pour différencier les meilleurs des moins meilleurs.
Si l’on est curieux de jauger l’intérêt d’une telle pièce dans le cadre d’un récital, l’on est serein quant à la compétence du clarinettiste pour ce genre d’exercice. Jusqu’à présent, l’interprète nous a parfois surpris par certains choix musicaux très singuliers, mais jamais déçu quant à sa capacité à tricoter des saucisses. On savoure donc à l’avance d’écouter l’acrobate quand l’allegro non troppo s’ouvre gaillardement en testant son registre aigu puis en envoyant de premières gammes en triolets, histoire d’échauffer les mimines, avant de proposer au faux candidat de se mesurer à une seconde difficulté de l’instrument : le passage de registre qu’il convient de rendre imperceptible. Luigi Magistrelli réussit haut la main ces premiers challenges.
Son mélange de legato et de détachés dans la relance est parfait. Viennent alors

• les montées chromatiques en doubles croches, qu’il grimpe avec adresse,
• les tenues presque swingantes joliment suivies par la pianiste, dont le souci de faire musique de tout ne cesse de susciter l’admiration, et
• l’interlude du clavier qui conduit à la modulation de Si bémol vers Ré bémol.

L’andante qui advient, nimbé dans la science harmonique du compositeur, teste cette fois le médium de l’instrument où la sonorité chaude du clarinettiste séduit. Puis des sextolets de doubles pianissimo accompagnant le thème repris par la dextre de Claudia Bracco, rappellent que la poésie n’est pas l’objet premier d’un solo de concours.
Çà et là, la partition prend des accents qui évoquent Mikhaïl Glinka (2’45, 2’58…) avant de céder la place à une cadence… qui commence de manière assez vilaine avec un effet de réverbération sur l’Ut du soliste pour le moins dispensable (3’29). Toutefois, comme le clarinettiste est aussi l’ingé son, il faut croire que ce choix est aussi constitutif de son esthétique personnelle à laquelle il nous arrive d’avoir du mal à adhérer. L’artiste propose, c’est sa liberté voire sa grandeur ; l’auditeur apprécie plus ou moins, c’est son droit et quelquefois sa faiblesse. L’exercice de virtuosité n’en témoigne pas moins, et c’est évidemment l’essentiel,

• de la dextérité,
• du souffle et
• du souci de nuancer du maître-candidat,

avant que l’allegro non troppo et sa tonalité ne reviennent sur le clavier de Claudia Bracco. Le rythme pointé est à l’honneur et tuile le propos vers une coda allegro vivo à deux temps, cavalcade attendue que Luigi Magistrelli enlève comme à la parade. Amusante découverte d’une pièce anecdotique mais joliment écrite !

Encore plus exotique que l’enregistrement d’une pièce de concours, l’enregistrement d’un « Morceau de lecture à vue » est proposé par le clarinettiste. L’exotisme, ici, tient au fait que la partition est écrite pour mettre en difficulté le candidat qui la découvre. La présenter en version travaillée et enregistrée puis montée si besoin en studio ne saute guère aux yeux.
Qu’importe, nous sommes prêts à nous laisser surprendre ! Après tout, affublée d’un titre autrement pupute (« Impressions soleil levant », « Voile sur un lac endormi », « Tulle volant sur le visage de la bien-aimée », enfin, ce genre de truc), cette miniature ne dépassant pas les quarante secondes effectives (la durée de 51 secondes indiquée inclut le silence de 10 secondes précédant un changement radical de style musical) aurait-elle pas aiguisé notre curiosité et déjoué notre prévention ? Alors, écoutons non pas sans parti pris, c’est trop difficile, mais avec la ferme intention d’être déçu en bien.
Portée par le piano toujours élégant de Claudia Bracco, la clarinette de Luigi Magistrelli s’amuse avec aisance

• des chromatismes,
• des sautes de registre et
• de la gestion de phrases interminables.

Le résultat est un feuillet d’album croquignolesque qui ne dépare pas dans l’esthétique légère d’un André Messager (qui en a composé d’autres, des lectures à vue pour le CNSM, comme ce solo pour le « concours réservé aux dames ») et nécessite en effet un temps de silence a posteriori pour basculer dans une esthétique et un projet musical 100 % différents : le troisième mouvement du Quatuor de la fin du temps d’Olivier Messiaen, lequel fera l’objet d’une prochaine notule – et nous conduit, alors que nous avions prévu cinq épisodes, à étendre le domaine de la présente recension à six chapitres pour préserver la spécificité de l’écoute de ce mastodonte.

Pour écouter le disque gratuitement, c’est là.
Pour l’acheter moins gratuitement, c’est par exemple là, mais pas le même « là », bien sûr.

Soit, donc, un spectacle intitulé Je me souviens du futur, qui commence bien, par une séquence

• énervée,
• décousue et
• virevoltante.

On a raison de la savourer car le soufflé retombe vite. Voici une séquence sur les gares qui se ressemblent toutes « mais pas qu’au niveau de l’architecture, aussi au niveau des vibes ». Les parvis sont envahis de semi-clodos à dread-locks ou de mecs qui, quand tu veux juste aller à Châteauroux, ce qui – reconnaissons-le – ne fait plaisir à personne, te demandent de signer des pétitions et surtout de leur filer un RIB « avec leurs K-Way de fils de pute ». Redouanne Harjane fait alors un de ces cahots que l’on apprécie pour glisser un classique (« hé, une fois, je suis allé me voir jouer, ben, j’étais pas là ») avant de renoncer à sauver la planète en préférant devenir stand-upper parano furieux de voir les gens rire de lui (« putain, qu’est-ce que vous faites tous dans ma chambre ? »).
L’Arabe cow-boy, comme il se décrit, enquille en ce soir de PSG-Barça, sur une séquence rappelant le Covid.

• Les oiseaux qui pouvaient traverser peinards au passage-piéton.
• Les gens qui applaudissaient à 20 h (« meurs ! meurs ! »).
• Les mecs qui chantaient de l’opéra en calbute à la fenêtre.
• Les autorisations qu’on se signait à soi-même.
• Les flics qui vérifiaient que tu étais toi et pas un mec qui voulait pas sortir.
• Les justifications qu’il fallait inventer, type « Je vais chercher du PQ parce que j’ai envie de chier ».
• Les gens qui adoptaient des chiens, même morts, ou qui se mettaient au jogging (« j’ai vu des gens courir que j’avais jamais vu marcher »).
• Le télétravail où, pour Zoom, tu passais chemise et veste de costard pendant que tu te faisais sucer.

Autant de vignettes parfois nostalgico-amusantes mais aux ressorts un peu rouillés – même s’il n’est jamais anodin de rappeler que l’absurdité de la « gestion de la pandémie » a montré une tentative décomplexée de reprendre le contrôle de la population. En ces temps où le gouvernement se gargarise de « couvre-feu » et d’appels à « l’état d’urgence », une piqûre de rappel sans bâton dans le nez peut justifier la convocation de ces souvenirs sépia d’une époque où la démocratie française n’a pas montré ses limites : elle a montré qu’elle n’était qu’une façade au service du pouvoir en général et des gouvernants en particulier.

Sur son modeste Casio CT-S500, le comédien propose un solo pour Arte à regarder à une heure du matin « en slip avec une Heineken », humour déjà usé depuis les Inconnus, dont Redouanne Harjane connaît bien le répertoire, et tant d’autres dont Gad Elmaleh (« Arte, c’est la nouit »). S’ensuit une séquence sur les techio (« des fois, je vais aux toilettes sans mon téléphone, mais je sais plus quoi faire ») assortie de l’idiolecte provocateur cher au zozo, entre « baise-moi » et « j’me branle ». La vie d’ma mère, même moi j’suis linguistiquement élégant par rapport à lui, bordel, il est fort.
Quand, enfin, le clown à peine déguisé se décide à chanter, il commence par une fredonnerie muette car il est en train d’écrire les paroles de sa tune. Puis il entonne une chanson dénonçant « des humains déshumanisés » et « robotisés », capables d’aller travailler en voiture pour payer l’essence qui leur permet d’aller travailler en voiture pour payer l’essence pour, etc.
Il est temps de céder la place à la première partie – non pas un artiste ouvrant le show mais la reprise du début du spectacle. L’idée est drôle et intéressante à la fois. On regrette que l’artiste n’en fasse rien avant de repartir sur la drogue (« dites non à la drogue / – NON ! / – Vous êtes tous drogués, ben si, à partir du moment où t’as un échange linguistique avec un pochon, t’es drogué, et pas qu’un peu… »). Le spectacle continue avec une séquence guitare, hélas accompagnée d’une longue improvisation avec le public, dialogue alla « vous pouvez m’parler, je suis pas un DVD » qui peine à donner le sourire tant l’artiste, malgré sa bonhommie apparente, ne paraît pas à son meilleur dans l’exercice.
La chanson qui suit, « je l’ai composée quand j’étais dans les Marines », annonce le farceur avant de prendre en boucle son antienne : « La maladie d’Alzheimer, j’y pense et puis j’oublie. » C’est un peu long mais, là encore, on sent que Redouanne Harjane effleure un principe de sample, de boucle, de gag fermé sur lui-même dont il n’a pas encore exploré tout le potentiel. Dans un prochain spectacle, plus fouillé, qui sait ?

Après

• la gare,
• le Covid et
• la technologie,

le comédien attaque un filon banal mais dont on est certain qu’il est capable de le secouer : les relations homme-femme. Celles-ci peuvent être bonnes pour la santé (« j’arrive à faire mes mille pas par jour maintenant que je suis des meufs dans la rue » écho au « J’sais pas c’que je ferai de cette fille une fois que j’l’aurai sortie d’mon coffre, j’compte sur l’syndrome de Stockholm, sans doute… »). Néanmoins, elles ne sont pas dénuées d’ambiguïté (« j’étais avec une Femen, un jour, elle se met seins nus, alors je lui gueule : et j’peux savoir tu vas où ? »), surtout quand, en guise de cadeau de bienvenue, la dame décide, tel un placebo, d’utiliser un doigt en guise de tunnelier visant à explorer – sinon exploser – le sillon inter-fessier de son partenaire (« mais vas-y, mets-moi un frigo dans l’cul, tant qu’t’y es ! J’t’en prie, va te faire enculer ! »).
Les révoltes du proférateur d’obscénités s’expriment avec une verve pas rabelaisienne qui peut réjouir dans la mesure où elle vise à renverser la table des convenances au profit d’une spontanéité ou d’une sincérité à tort ou à raison trop souvent corsetée, et que la scène rend potentiellement caduque. Elles incluent aussi l’impossibilité de consommer un menu enfant (« parce que c’est quoi, le menu homme adulte ? ») et les délires sur le genre (« en fait, si ça s’trouve, je suis une lesbienne blanche dans le corps d’un gros rebeu »).
Une chanson-sketch habile donne une respiration bienvenue grâce à ses couplets libres et grâce au refrain accrocheur qui dit :

J’suis d’une autre époque,
faut voir tout c’qu’on écope ;
avant, c’était pas pire, pas mieux :
c’est réciproque.

Si certains pensent à son sketch matriciel où il désignait son grand-père venu le chercher à l’école comme un pédophile en concluant : « À l’époque, on savait rire », Redouanne Harjane évoque les raclées qu’il prenait – comme le public peu ou prou de son âge – pour « les trucs les plus fous » qu’il accomplissait, allant du crapotage à l’emprunt du T-shirt du grand frère. Après quoi, l’énergumène revient au clavier tout en donnant un conseil aux agenceurs de supermarché : « Les rayons pour bébés, c’est beaucoup trop haut pour eux, ça va jamais marcher… »
Piochant dans son catalogue classique de punchlines (« sérieux, combien de temps, ça met une girafe pour vomir ? ») et s’appuyant sur les deux gimmicks de son spectacle (« c’est la merde » qui remplace « tout va trop vite, c’est dingue, tout va trop vite », et « j’suis en fin d’carrière, c’est sûr » qui équivaut rythmiquement à « la vie, c’est un bordel »), il s’interroge en musique sur « qui sont ces gens » :

• celui qui anticipe largement l’arrivée du TGV,
• celle qui lit un livre en marchant dans la rue et a décidé que les autres devaient l’éviter,
• celui qui porte son masque quand il est seul dans sa voiture afin, suppute-t-on, de ne pas infecter la boîte à gants,
• celui qui laisse des messages vocaux d’une plombe que même pas tu veux les écouter fût-ce en doublant la vitesse,
• celles qui regardent toutes les annonces immobilières devant toutes les agences immobilières et
• celui qui regarde les travaux en bas de chez lui, les mains dans le dos, en commentant ce qu’il voit avec les ouvriers – personnage fersénien s’il en est…

Rien, en revanche, sur celui qui regarde ses messages WhatsApp et y répond pendant le spectacle. Logique : on sait qui sont ces gens, c’est mon voisin.
Avant le bis, papy et mamie s’enfuient de la salle. Ils ratent donc la chanson de clôture, chanson « que vous avez peut-être entendu sur mon premier album posthume ». Elle rend hommage aux « fils deup » qui

• vont en vélo d’appartement jusqu’à leur télétravail,
• trottinettent sans casque mais avec un masque voire, pire,
• trottinettent sans casque et enlèvent leur masque pour entendre quand qu’on leur cause.

Le résultat de la soirée aurait pu être

• sympathique,
• amusant,
• remuant,

mais il est, à notre goût,

• grevé par une structure trop lâche,
• boursouflé par des interactions avec le public sans aucun intérêt et que l’artiste ne parvient pas à rendre hilarantes
  • (« vous vous êtes rencontré devant un restaurant ? ha oui, c’est dingue ? et vous, sur Meetic ? », pfff, c’est lllong ;
  • « tu t’appelles Terence ? Tiwènnce… C’est bien, mon bonhomme » ;
  • « et en iranien, on dit comment merci ? merci aussi ? sérieux ? ah », etc.) et, sans doute,
• trop étalé en regard des véritables moments harjanesques qui
  • pimpent la prestation,
  • motivent notre présence après un spectacle annulé par l’artiste, au premier semestre de l’année,
  • réjouissent le cœur et
  • résonnent longtemps, longtemps après que les lumières se sont rallumées.

Aussi repartons-nous déçu devant l’impression

• d’inaboutissement,
• de relâchement et
• de délayage

bien qu’il s’agisse, peut-être, d’une forme plus moderne de spectacle comique à laquelle Redouanne Harjane a eu l’intelligence de se plier mais dont la moindre densité ne nous esbaudit point autant que nous l’avions escompté.

Pour retrouver les précédents épisodes,
c’est ici pour le spectacle de 2017, et
là pour le spectacle de 2019.

En attendant un prochain post, quelques nouvelles du monde via nos découpures de presse. À commencer par une idée forte : tout va bien. Même si

Même si

Même si

Même si

Ce qui compte, c’est que

sont prévus. Vous voyez ? Du coup, tout va bien. Ne soyons jamais défaitistes. Même quand la vie devient compliquée voire dangereuse, il existe une solution, une manière de s’en sortir. Parfois pas la plus attendue, mais bon, hein, on fait c’qu’on peut avec c’qu’on a.

Alors, oui, les jeunes s’adonnent à d’étranges activités…

… mais, au moins, la police bénéficie d’une quasi impunité, c’est beau.

Elle est même capable d’expliquer qu’une nana en cellule de GAV n’attend qu’une chose : baiser avec ses geôliers. Et ça passe crème !

Ha, oui ! Heureusement, que la police a tous les droits car le bleu est sur tous les fronts, y compris quand il s’agit d’interpeler des suspects armés d’une arme.

Allons, apaisons les tensions et offrons-nous une pause philosportive assez utile. Enfin, je trouve. Voici le sujet que je vous appelle à méditer.

Et puisqu’on en est aux activités physiques, prenons le temps de respirer en rigolant des sportifrançais, des sportifs comme les autres sauf qu’ils savent qu’il vont gagner et qu’ils se prennent des roustes. Par exemple, en judo, y avait une nana qui devait tout déchirer d’un trait de lumière grâce à un encadrement béton prouvant qu’elle pouvait être maman et championne du monde.

Mais patatras…

Non, tu n’es pas nulle, Clarisse. Tu es juste une sportifrançaise. Après cette pause requinquante, passons à la rubrique « L’humain est un animal décidément tout à fait singulier ». Avec, pour commencer, une nouvelle forme de « guerre hybride », ce mythe censé désigner la manière dont Vladimir Poutine fait la pré-guerre à notre pauvre monde innocent, démocratique et gentil. Surtout gentil.

À ceux que la géopolitique internationale dépasse, effraye ou bute et rebute, offrons un autre épisode de la même rubrique.

On peut terminer cette séquence avec un épisode toujours sur les humains singuliers mais beaucoup plus conscious, à travers un cas présentant tous les symptômes d’une maladie souvent profitable : l’anti-antisémitisme extrémiste.

L’affaire étant Klaus, nous pouvons passer à notre rubrique « L’humain est un animal décidément tout à fait évolué, intelligent, décent et en perpétuelle amélioration » grâce à la bande au mec avec des cheveux de poussin tombé dans le mauvais bac à coloration. 

Essayons donc de nous concentrer sur l’idée essentielle que, l’un dans l’autre, tout va bien. J’ai bien sûr des preuves solides de ce que j’avance.

Qui dit mieux ? D’autant que la France jouit notamment d’une langue magnifique, wesh, parlée par des hommes grands qui risquent de se gratter longtemps pour devenir de grands hommes puisque, bismillah, c’est les ténèbres, khô.

Grâce à cette langue, dans ses sommets, même le journalisme sportif devient une poésie d’une intensité rocambolesque.

Oui, la langue française est magnifique. D’un coup de voyelle magique, elle peut transformer un problème de ruralité financière et politique en un éloge soudain de l’art financier propre au sexe faible.

Bon, cela dit, inutile d’en disconvenir : tout va bien mais tout n’est pas parfait. Le Figaro a l’art de pointer ces petits dérèglements – des points de détail de l’Histoire, sans doute – qui font regretter à ce torchon l’ère de la trique et du coup dans la gueule au cours de laquelle l’ordre, la morale et le catholicisme régnaient pour le plus grand bonheur des maîtres violents et des esclaves admiratifs.

Pour retrouver le bonheur total vers un nouvel âge cosmique et réminiscent, il y a bien une martingale que le journal suggère.

Vous voyez ? Un problème, une solution : tout – va – bien. Nous avons trop tendance à l’oublier. Les gens qui sachent et prennent plaisir à nous emmerder, eux, ne l’oublient pas, gloire à eux. Ainsi, à la veille de la révolte lycéenne mais pas que, chacun sait désormais que Macron & Trogneux Ltd avaient conscience de la nécessité de se concentrer sur l’urgence de la situation. Peut-être le parallélisme entre deux affaires d’emprise sur un ado qui a réussi ajoutaient-elles à la joie de la danseuse ?

Baste, comme la danseuse-chanteuse, soyons joyeux. Après tout, la France est un pays merveilleux – rien que la gastronomie hexagonale est un délice plein de surprises !

Nous vivons dans un miracle permanent, vous dis-je (mais vous le savez déjà). Si les journalistes le décident, un fils de peut (pas de faute de frappe) éblouir un public qui ne l’a pas encore vu. Ça, c’est ma France !

Il faut dire que le journalisme français est une merveille. Ainsi, le fayot de service peut s’extasier qu’une monarquette de pacotille porte une marque de merde comme les ploucs…

… en oubliant de signaler le prix de l’accessoire qui lui sert de serre-tête.

C’est la joie, on n’y peut rien, c’est – la – joie ! Et c’est la grandeur du journalisme que de plaider contre les fantasmes sexuels anti-pensionnats version Maxime Le Forestier (c’est pas très gentil, la femme n’est pas un objet) juste avant de consacrer un article à un soutien-gorge à huit chiffres (c’est très gentil, la femme est un objet qui a un prix).

Bref, ça fait du bien quand tout va bien, ne me dites pas le contraire de l’inverse ! Même la merde qu’est le nucléaire, on sait s’en débarrasser pour qu’il reste dangereux mais invisible. Très astucieux…

Au fait, puisque l’on parle de merde, l’on apprit aussi tantôt que, au plus haut niveau des pays voisins, louer le corps d’une femme est une fierté. Formidable, non ?

Le seul petit problème, en Europe, si je me risque à glisser cette remarque avec une infinie humilité, c’est peut-être qu’il faut faire attention à la prononciation de certains toponymes. M’enfin, c’est pas la mer à boire…

Quoiqu’il advienne, la France reste la France, un pays démocratique où, quand une manif se passe bien, on coffre quand même 1000 zozos. L’appétit des post-sarkozistes pour les chiffres censés attraper des électeurs serait fascinant s’il n’était pas gerbant.

On apprend enfin que, pour les traqueurs de fake news, l’Albanie et la France, c’est du pareil au même. Mais c’est pas grave, c’est la faute de la régie – par conséquent, ça passe, franchement.

Et pourtant, tout va bien, au moins tant qu’on subventionne la picole.

Enfin, tout va bien… Oui, tout va bien. Ce nonobstant, attention aux goûts musicaux des manifestants, quand même [cliquer pour agrandir l’image].

Il n’en demeure pas moins que, si j’étais le patron de Havas, j’embaucherais de suite comme CR le gars à l’ardoise effaçable qui a trouvé le meilleur slogan de tout l’univers face aux dérives autocratiques et libérales du macronisme : non. Quand je vois ça, je me dis que décidément, si tout ne va pas bien à 100 %, tout n’est peut-être pas complètement perdu. Au point où on en est, quelle victoire, mes amis, quelle victoire !

À suivre.

Après la sonate de Camille Saint-Saëns, le clarinettiste Luigi Magistrelli et sa pianiste Claudia Bracco optent pour un tube : l’arrangement pour cor anglais et piano, réalisé par Alfred Piguet, de la « Pavane pour une infante défunte » de Maurice Ravel. Résultat ?

• La sobriété du prélude est bien respectée.
• L’exposition du second thème témoigne d’un réel souci de phraser.
• La chaleur de la sonorité réjouira les amateurs d’une clarinette généreuse voire – même dans cette partition – solaire.
• La dernière exposition du thème, avec bariolage au piano, ne manque pas d’expressivité.
  

Certes,

• la tendance du soliste à pousser les sons tenus,
• sa méfiance devant les nuances piano tendant à limiter le spectre d’intensités finalement utilisé,
• des changements de registre parfois malmenés (le passage de la à ré à 1’35, par exemple),
• des sonorités quelquefois curieuses (le mi à 2’14),
• des ruptures de legato surprenantes (la coupure avant le la à 2’20),
• des octaviations graves qui arrivent sporadiquement au risque de fissurer l’unité de la mélodie,
• des accents pouvant paraitre saugrenus comme le ré à 3’17 (l’accent est demandé sur le mi, pas sur la fin de l’arpège en triolets), et
• des choix d’interprétation rares (la dernière note dévolue à la clarinette est généralement posée après l’arpège du piano)

sont susceptibles de titiller l’oreille de mélomanes pointilleux. Du moins ne s’agit-il pas d’une lecture lisse et calfeutrée dans une transparence ennuyeuse !

S’ensuivent les rares Variations sur un air du pays d’oc (en l’espèce « Se canto ») de Louis Cahuzac, initialement écrites pour clarinette et orchestre ou harmonie.

• Introduction solennelle et interprétée avec tact par Claudia Bracco.
• Trait du soliste et cadence troussée avec énergie et, cette fois, nuances.
• Exposition du thème joliment harmonisé et accompagné avec le soin que l’on connaît désormais à Claudia Bracco.

La première variation, « allegretto vivo e leggiero » sautille et laisse les doigts se dégourdir avec une apparente insouciance bienvenue. Une tourne thématique pour le piano plus tard, la deuxième variation « alla polacca » danse avec

• astuce,
• liberté et
• influx.

Une amusante tourne alla polacca du piano, et voici la troisième variation en mineur. L’andante presque funèbre se métisse de couleurs plus ambiguës grâce

• aux triples croches,
• aux trilles et
• aux presque incessantes suspensions de discours.

En ratiocinant, on pourrait regretter que l’abus de réverbération rende les repentirs de montage plus audibles (7’54), mais cela relève du détail, peut-être même d’une hallucination auditive. La quatrième variation, de retour en majeur et non précédée par la réexposition du thème, est une course à la virtuosité et au souffle long : le terrain de jeu idéal pour Luigi Magistrelli.

• Treizolet,
• trilles,
• sautes d’octave

sonnent comme à la parade jusqu’au finale conçu pour faire « grand effet ». Objectif atteint ! La musique n’est pas follement passionnante, mais il est joyeux de voir resurgir des pans méconnus et peu fréquentés du patrimoine clarinettologistique. De plus, le plaisir d’un exercice de doigts et de cage thoracique

• sympathique,
• bien mené et
• enlevé avec aisance

ne doit jamais être boudé sous peine d’être virtuellement considéré comme un crime contre l’humanité. Enfin, je crois : je ne suis pas juriste. Dieu m’en préserve, même si les risques sont extrêmement faibles. À suivre !

Pour écouter le disque gratuitement, c’est là.
Pour l’acheter moins gratuitement, c’est par exemple là, mais pas le même « là », bien sûr.